Le nom d'un jardin pour les moines de Tibhirine

Régulièrement la reconnaissance de certains évènements de l'histoire entre la France et l'Algérie se fraye un chemin à travers les commémorations, les discours et les plaques inaugurées à ces occasions; ces plaques que l'on "découvre", selon une terminologie suggestive évoquant la sortie de l'anonymat ou de l'ignorance d'un évènement, mais aussi une mise au jour effective avec le geste rituel de levée du voile.

Il y avait eu déjà à Paris, en Février 2007, l'inauguration par le Maire Bertrand Delanoé de la plaque sur la manifestation de "Charonne" de Février 1962, au carrefour de la rue de Charonne et du Boulevard Voltaire dans le XIème arrondissement.

Puis en Février 2014 l'inauguration du nouveau nom de la station de métro "Charonne" auquel s'est ajouté désormais celui de "Place du 8 Février 1962". Auparavant avait été inaugurée le 17 Octobre 2011, également par Bertrand Delanoé, la plaque du quai St Michel pour commémorer la manifestation pacifique d'octobre 1961 qui avait causé tant de débordements et de morts. 

Cette fois-ci la nouvelle plaque est posée au square St Ambroise, toujours dans le XIème arrondissement de Paris, en hommage aux moines de Tibhirine, dont on célébrait le vingtième anniversaire de la mort en Mai dernier.

Cette inauguration a été accompagnée par la paroisse de l'église St Ambroise qui propose actuellement une exposition sur l'engagement et l'expérience de ces moines.

Ceux-ci en effet avaient choisi, à l'époque, de rester auprès des villageois algériens avec lesquels des liens forts s'étaient noués malgré les menaces pesant sur eux. Le Père Christian de Chergé, prieur du monastère pendant cette période, s'en est expliqué notamment dans un testament spirituel qu'on peut se procurer dans cette exposition. Et ces évènements sont la base du film de Xavier Beauvois "Des hommes et des dieux", sorti en 2010. Par ailleurs, le monastère est doté d'un site fort intéressant sur son histoire et sa vie d'aujourd'hui.

Cet assassinat, mal élucidé encore, continue d'empoisonner les relations entre les deux pays. Mais pas à pas la chape de silence est entamée. C'est ainsi que des prélèvements ADN avaient été effectués en 2014 lors d’une exhumation des crânes des sept moines enterrés à Tibhirine. Mais les juges et les experts français qui y avaient assisté n’avaient pu les ramener en France. Cette fois-ci, le gouvernement algérien vient d'autoriser le rapatriement de ces prélèvements par la juge française Nathalie Poux.

Aujourd'hui, l'actualité amène beaucoup de journalistes à des mises au point sur le droit de manifester en France et sur les interdictions qui ont été annoncées dans le passé pour certaines manifestations. Il faut, semble-t-il, remonter jusqu'à celle de Charonne pour en retrouver des exemples. M'étonnant qu'il ne soit pas fait référence plutôt à celle du 17 Octobre 61, j'ai appris qu'elle n’est pas considérée comme une “manifestation” proprement dite par les pouvoirs publics.

Autre témoignage des tensions politiques non résolues autour de ce qu'en France on appelle "la guerre d'Algérie" et là-bas "la guerre d'indépendance"... Et ces tensions alimentent encore les blessures psychiques provoquées de part et d'autre par cette guerre (cf la première partie de mon livre  Rue Freud et les articles de ce blog des 4/12/2013 "Cheminements psychiques avec la guerre d'Algérie, 21/02/2014 "Carrefour de Charonne", et 8/03/2015 "1962,1968,1972,2014: histoire du cryptogramme de la faculté de Jussieu à Paris" ).

Prochain article prévu la deuxième quinzaine d'Août.

Arrêt Vincennes Université

Vincennes est à l'honneur ces jours-ci dans l'actualité du cinéma documentaire. Deux femmes de deux générations différentes, Claire Simon et Virginie Linhart, se sont attelées à ce lieu hybride, le bois de Vincennes, jadis hôte de la fameuse fac et aujourd'hui accueillant aussi bien des SDF, des coureurs cyclistes, des poètes d'un autre temps, des cavaliers, des exilés, des marcheurs et des prostituées. Le film de Virginie Linhart "Vincennes, l'université perdue", a été diffusé sur la chaîne Arte ce mercredi 1er Juin.

Pour les soixantenaires actuels ayant autrefois arpenté ce "centre expérimental" de Vincennes, y ayant éventuellement étudié, enseigné, et se rendant encore parfois avec leurs petits enfants sur ces lieux rendus à la nature, ces films marquent de façon émouvante et instructive des ponts entre les générations et aussi des écarts considérables entre les époques. 

Là où certains, de nos jours, rencontrés par Claire Simon, se mettent à l'abri dans le bois (cf article de ce blog du 08/05/2016), d'autres ont cherché il y a plus de quarante ans à penser autrement la vie collective et le politique après les "évènements de 68". Les traces de leur action dans le bois de Vincennes ont été effacées, radicalement. Rien ne reste visible de cet établissement et aucune plaque ne vient le marquer non plus.

Le film de Claire Simon le montrait déjà de façon étonnante à travers le regard de la fille de Gilles Deleuze. Celui de Virginie Linhart en fait en quelque sorte le coeur de sa construction cinématographique. Elle montre en détails ce qu'on a voulu effacer: le travail de pensée lui-même. Reste cependant le nom de l'adresse de la fac, "route de la Tourelle", toujours présent du côté de cette fameuse clairière dont parle le film.

De nos jours, les façons de parler de Mai 68 s'avèrent parfois de courte vue. Comme si ces évènements n'avaient rien changé dans la société, rien fait exister! Mais concernant ces évènements-là de même que ceux de la fac "expérimentale" de Vincennes, les effets en ont été à long terme et en profondeur. En particulier sur le plan pédagogique et surtout sur le plan de l'éducation populaire et de la formation d'adultes, même si, d'un autre côté, l'évolution de l'école aujourd'hui peut faire penser le contraire.

la clairière à l'emplacement supposé de la fac

Le film de Virginie Linhart insiste sur les "grands" penseurs présents à l'université, avec une sorte de fascination pour eux mais elle a su interroger aussi des personnels administratifs et ouvriers de la fac, et des personnes que rien n'avait orientées vers un lieu universitaire. Elles y ont entrepris parfois des études et ont été tout autant actrices de cette expérimentation.

En effet lorsqu'on fréquentait ce centre (en ce qui me concerne en tant qu'étudiante puis chargée de cours), on n'était pas exclusivement mobilisé par ces "grands" dont nous parlent avec insistance la réalisatrice et certains témoins ainsi que bien des articles disponibles sur internet. Comme si cette université n'avait eu d'intérêt que parce que ces "grands"-là y étaient!

Pourtant, ce qui comptait dans certains départements comme ceux de Théâtre ou  des Sciences de l'Education que j'ai mieux connus, c'étaient les expériences que l'on pouvait y vivre ensemble. C'était un rapport au savoir qui se développait à partir d'une pratique ou d'exercices partagés, avec la participation de tous, sans sélection.

Cela nous obligeait à trouver des moyens parfois acrobatiques d'accueillir aussi des personnes peu prêtes à travailler collectivement, voire débordées par leurs difficultés personnelles. La nécessité de faire avec des étudiants venus d'horizons culturels si divers et de langues si multiples nous y aidait sans doute.

Ce film réveille les souvenirs et aussi des envies de rassembler encore d'autres témoignages de cette expérience et de ce qu'elle a concrètement apporté, notamment à tous ceux pour qui les horizons s'y sont ouverts, parfois même sur un plan intime. Car là-bas, nous ne choisissions pas la voie du clivage entre la pensée, l'expérience et la vie, au risque d'un certain désordre, bien sûr! Et cela allait de pair avec le décloisonnement des disciplines, souhaité par les créateurs de cette fac.

C'est bien aussi ce que peut apporter l'expérience psychanalytique et ce dont témoignent certains penseurs et praticiens de la psychanalyse: la nécessité de penser la psychanalyse aussi au coeur de la vie.

Les rigidités universitaires que combattait la fac de Vincennes et dont parlent certains témoins sont restées tenaces de nos jours, même si elles se sont parfois transformées. Mais elles empoisonnent également d'autres institutions et en particulier les institutions psychanalytiques en imposant parfois des modèles d'élaboration relevant plus d'une hiérarchie des savoirs universitaires ou de la médecine que de la psychanalyse. Le décloisonnement peut avoir des vertus salvatrices auxquelles on devrait sans doute plus souvent recourir. 

Sète à la renverse

Drôle de posture chez cet homme assis à l'horizontale! Et puis piètre photo de photo qui y superpose des transparences et des reflets de néons... Un saccage? Peut-être simplement l'usage fait d'une photo de Philippe Ramette exposée au CRAC de Sète par une visiteuse autorisée, comme tout visiteur de cette exposition, à la photographier... 

Photo de la photo, celle-ci devenant autre chose dès lors qu'elle est exposée et que le photographe accepte de la livrer au public. 

Mais tout de même, que fait-il, celui-là, assis dans un probable inconfort? Et comment fait-il? Bien sûr, chacun des visiteurs tourne la tête, se penche, tente de retrouver un endroit... l'endroit... Au risque du torticolis, sinon c'est la crampe assurée aux abdominaux par identification à l'homme bizarrement assis.

Etrange changement de point de vue pour celui qui est photographié et qui n'est autre que le photographe lui-même. Du coup, nous sommes tous invités à jouer aussi avec l'endroit  et l'envers, le bon sens et le mauvais sens. Mais nous ne sommes pas obligés non plus de retourner ce que nous voyons! Voguons déjà un peu dans ce sens-là. Peut-être réussirons-nous à ne pas chavirer.

Voici que mon assise basculée me révèle tout à coup autre chose: je crois bien que j'ai inversé la photo elle-même en la publiant ici. Au CRAC, elle est bien présentée dans l'autre sens mais sur mon ordinateur, elle est partie à la renverse sans prévenir...

Alors la voici à nouveau, pour faire redescendre l'homme sur terre... Il semble plus à l'aise assis de cette façon, sans doute. Mais quand-même, avec le brise-lames de Sète, il y va fort! Retourner le port pour être mieux assis... Le faire plonger même, alors que le brise-lames, on le sait, a la force des géants face à la mer démontée, quel culot!

Le vide est bien là devant lui, cependant. A donner le vertige. Là-haut, il ne risquait pas de tomber bien loin derrière lui. Ici s'il tombe en avant, on ne sait plus si ce sera dans la mer ou dans le ciel. On aurait presque envie de s'accrocher avec lui au néon...

Précisément ce néon me fait penser à la remarque d'une collègue à propos de l'article de ce blog sur Anselm Kiefer de Février 2016. La visiteuse qui téléphonait sans vergogne devant le grand livre de plomb mural n'était-elle pas en train de créer à son insu un autre tableau, ou plutôt de permettre aux regardeurs d'en créer un autre en eux?

Le tableau initial, lui-même transformé déjà par la disposition qu'avait voulue Anselm Kiefer pour l'exposition de la BNF, se trouvait bien là témoigner de façon inattendue des entrechocs de notre civilisation avec l'oeuvre, avec toute oeuvre, sa prise dans la publication, ses destins muséaux, son embarquement avec les techniques de communication, et sa permanence tenace ici derrière les agitations humaines.

Transformer l'arrogance ou l'irrespect du visiteur en création dans l'oeil du regardeur, voilà qui renverse aussi les perspectives, pour le plus grand bien de notre santé psychique, n'est-ce-pas cher W.F. Bion? (Pour ceux qui ne connaissent pas ce nom, par ailleurs souvent cité sur ce blog, il s'agit d'un psychanalyste anglais qui s'intéressait particulièrement aux changements de perspective et de vertex dans notre activité psychique et dans l'expérience psychanalytique.) Quel plaisir de découvrir toujours des points de rencontre entre les arts et la psychanalyse!

Le bois dont les rêves sont faits

Un bois ? Pourtant dans ce film celui-ci apparait sans limite, offrant des fonds où se perdre et se cacher. Il pourrait bien avoir accueilli la Belle au Bois Dormant pendant des siècles !  Et l’on pourrait y voir surgir toutes sortes d’animaux étranges et fascinants, on pourrait y entendre des cris et des chants, échos d’un autre monde. Il est vrai cependant que pour la Belle il s’agissait aussi d’un bois…là où les frayeurs et les mystères qu’il cachait semblait plus à la mesure d’une forêt, et même amazonienne…

Ici les êtres étranges et émouvants sont des humains qui racontent leur façon de faire avec ce bois, d’y vivre et d’y rêver parfois. Ils s’y réfugient solitairement ou s’y retrouvent. Ils s’y tiennent « à distance respectable » les uns des autres, comme on dit…Parfois, ils s’y cherchent, aussi.

 

Les histoires racontées dans ce film sont le fruit de rencontres faites par la cinéaste, Claire Simon. On pourrait même dire qu’elles racontent indirectement ces rencontres tout autant que des vies. Une approche du bois et de ses habitants, une pénétration patiemment revue au montage, et reconstruite. 

Une cocréation aussi, si l’on en croit ce que Claire Simon dit à Michel Ciment dans l’émission « Projection privée » du samedi après-midi sur France culture. En étant filmées, ces personnes interrogées font œuvre également, dit-elle. J’ajouterais bien: d’abord en recréant ce bois par les usages qu’elles en font. Usages multiples et insolites, parfois cocasses ou pathétiques…

Les lieux institutionnels du bois de Vincennes ne sont pas retenus ici. Ni la Cartoucherie, ni le centre équestre, ni le terrain de courses, ni le parc floral. En revanche, l’ancienne faculté de Vincennes y prend une place symbolique par l’absence de traces qu’elle y a laissées depuis trente ou quarante ans. Cette absence fait parler et s'étonner la fille d’un des philosophes qui attisaient  à l'époque le désir de penser dans ce lieu, Gilles Deleuze. Mais paradoxalement, les arbres ont eux-mêmes contribué à cet effacement, pour la satisfaction de bien des hommes politiques, ceux d'alors et ceux d’aujourd’hui... 

En cette période anniversaire de la catastrophe de Tchernobyl, d’autres arbres effaceurs de traces s’associent à ceux du film. Mais au bois de Claire Simon, se faufilent volontiers les bois de nos enfances, ceux qui nous ont perdus et protégés autrefois, ceux qui nous ont offert des trouvailles et des terrains de jeux, ceux qui ont suscité en nous tellement d'émotions, ceux qui nous ont donné le sentiment de l’existence d’autres mondes. Leurs traces sont toujours là, à jamais. 

Elles sont à la mesure des forêts primitives, celles dont parlent les spécialistes, botanistes et explorateurs, tels Francis Hallé avec son film "Il était une forêt" et qui invitent les humains à élargir leur vision du monde à une échelle démesurée dans l’espace et dans le temps. 

Belles invitations à penser et à rêver que nous proposent ces contes, ces recherches et ce film, au titre si prometteur : « Le Bois dont les rêves sont faits »  

Danser la guerre?

Danser la guerre ou danser sur la guerre aujourd'hui? En écho aux commémorations du centenaire de la guerre de 14-18, cette question vient rebondir sur les représentations de cette guerre données par les artistes, peintres, plasticiens, sculpteurs, largement réexposées au cours des dernières années et présentes sur ce blog.

A côté des travaux colossaux d'Anselm Kiefer en fin d'exposition à Beaubourg, où l'on rencontre notamment les deux dernières guerres dites "mondiales", ceux de Fromanger (encore exposés) et en particulier sa réflexion-composition politique sur la guerre, peuvent sembler aujourd'hui de moindre envergure, sollicitant moins l'émotion mais d'un accès plus immédiat. 


Dans la série "Annoncez la couleur" il propose en effet un dyptique avec le titre suivant: "La coexistence n'est jamais pacifique... La guerre n'est jamais froide", 1973 (cf ci-dessus et ci-dessous). Les deux tableaux sont présentés côte à côte dans l'exposition. Cette oeuvre propose-t-elle d'abord une représentation du temps de la paix, même dans une diversité culturelle et politique, suivie de celui de la guerre et du mouvement qu'elle impose? Ou bien serait-ce plutôt une vision de deux types de guerres, de ses deux temps, l'un apparemment ordonné mais où couve la guerre, ainsi que le suggère la légende, et l'autre où tout est dérangé? 


L'hyper-ordre initial des titres de presse est-il plus rassurant que le joyeux désordre des couleurs dont on ne perçoit pas immédiatement les nouveaux liens entre elles. Il y a peut-être bien de la destruction, dans ce deuxième tableau, mais bizarrement, tout en rondeur. Les titres de presse s'y dispersent, s'y déchirent. Et pourtant, je ne peux m'empêcher d'y voir une sorte de danse des couleurs qui me rappelle les propos de l'artiste sur la danse. (cf article précédent du blog).

Parfois, c'est le fait de jeunes générations que de nous obliger à regarder autrement d'anciennes guerres, guerres qu’elles n’ont pas faites mais dont elles ont quand-même été faites, via leurs ainés, leurs parents, la société et en particulier l’école. De nouveaux rapport aux guerres, mais aussi à l'Histoire et à sa place dans la vie psychique à travers les générations, amènent ainsi aujourd'hui à une créativité foisonnante des points de vue qui s' entremêlent au sujet des guerres, et au-delà, quant aux sociétés humaines.


Par exemple, comment faire quand on est une fille née vers les années 1985 dans la Meuse, et, qui plus est, à Verdun? Comment faire avec tout le poids de cette guerre de 14, omniprésente sur les sites des tranchées, et avec les monuments aux morts, les commémorations et les initiatives mémorielles de toutes sortes proposées chaque année? En dansant, et en dansant avec les mots et la musique... C’est la réponse qui  m’est donnée un soir d'Avril à Paris et sur un autre registre encore que celui de Gérard Fromanger.

Ce soir-là, je descends du quartier de Belleville pour voir une chorégraphie intitulée "L'ossuaire et moi", intriguée par ce titre et par ce que peut proposer une danseuse ou une chorégraphe sur Verdun... En marchant, je m'aperçois que j'ai pris un chemin inhabituel en bifurquant d'une rue à l'autre. Je ne me rappelle même plus le nom de celle qui m'arrête maintenant, si étrangement. Une grande  fresque dessine au loin sur une façade un visage qui me devient familier et sympathique au fur et à mesure que je peux l’identifier : je reconnais finalement Germaine Tillion sur le volet clos d’une librairie.

J'étais donc bien déjà sur le chemin de la guerre! Celle d'Algérie, me dis-je, en pensant à l’engagement de cette ethnologue auprès des militants pour l’indépendance de l’Algérie.  Mais avant cette guerre, il y eut pour Germaine Tillon celle de 40. D'ailleurs sur la face latérale du store, je vois représenté le visage de Genevieve Anthonioz de Gaule. Deux rescapées des camps. Deux femmes engagées, résistantes. Quelle émouvante introduction à la chorégraphie que je vais voir à la "Maison des Métallos"  du XIème arrondissement de Paris! 

C’est une jeune génération qui m’attend et pour une autre guerre: celle de 14-18. Etrange emboîtement des guerres dans cette actualité d'un soir pour moi! Guerre d'indépendance de l'Algérie, guerre de 40, guerre de 14... 

Je découvre alors un travail à deux, auteure et danseuse, comme à deux voix, même si l'une des deux seulement danse. Elle danse mais dit aussi, raconte en dansant, comme si le corps en mouvement venait faire sortir les mots! Cette chorégraphie donne une forme directe et forte à cette expérience d’enfant et d’écolière de Verdun, élevée sur un lieu emblématique de la guerre de 14. 


Pour moi, spectatrice, souvent confrontée, dans mon travail de psychanalyste, aux traces de la guerre, c'est une grande joie que j'éprouve de sentir les effets les plus dynamiques de la transmission, par des voies combinées, individuelles, familiales, et sociales et à travers des générations successives. 


Transmission paradoxale, passée parfois par le "raz-le-bol", notamment des fameuses sorties scolaires, si répétitives, à l'ossuaire de Verdun et par des moments d'effroi surgissant de l'ennui que connaissent tous les enfants et tous les écoliers... Passée parfois aussi par les mots à l'emporte-pièce des Anciens sur la guerre, sans qu'il ait été consciemment question pour eux tous de "transmission" au sens psychique couramment utilisé aujourd'hui. 


La création ici se fait dans le mouvement, dans l'engagement du corps, dans le souffle. La guerre sur scène devient celle des mots et du corps. Elle crée pourtant un autre temps, ouvre une perspective grâce à la force combinée de l'émotion et du jeu, de la gravité et de l'insolence.

La femme de Loth en danse avec Kiefer et Fromanger

Voici que la femme de Loth, qui a déjà occupé bien des pages de mon livre "Rue Freud" ainsi que de mon blog, revient me saisir à nouveau avec deux expositions parisiennes actuelles des oeuvres d'Anselm Kiefer et de Gérard Fromanger, toutes deux à Beaubourg (celle d'Anselm Kiefer à la BNF  étant terminée).

J'apprends par ces expositions qu'Anselm Kiefer aimait beaucoup les aquarelles érotiques de Rodin. Et c'est particulièrement le thème des femmes pétrifiées qui le fascinait. Ses derniers livres, érotiques, sont même dédiés au sculpteur: "Pour A.Rodin. Falaises de marbre. A Rodin Marmorklippen 2014. Aquarelle et mine de plomb sur carton enduit de plâtre." La commissaire de l'exposition de la BNF nous rapporte ces propos de l'artiste au sujet de ces livres: "Doux comme la peau mais froids comme du marbre."

L'aquarelle de Rodin intitulée "La femme de Loth" m'avait arrêtée quant à elle, car elle me semblait plus animée d'un élan de jouissance que d'un mouvement de pétrification. Et précisément c'est ce paradoxe qui emportait ma vision devant l'avidité du peintre à arrêter le temps dans la jouissance, en dessinant l'esquisse d'un mouvement d'extase prête à se dissiper. Les droits réservés m'interdisent de la reproduire ici comme dans mon livre. Mais l'aquarelle de Kiefer, très proche de celle de Rodin,  donne à son tour une représentation saisissante de cette impossible captation du mouvement dans l'immobilité.

L'expérience de la psychanalyse nous amène parfois sur les bords de cet effet mortifère de la jouissance; comme une pétrification psychique. Chez Anselm Kiefer, le thème de la pétrification se décline de multiples façons, depuis l'usage des techniques de pétrification et de minéralisation des matières  jusqu'au choix de titres d'oeuvres comme "La femme de Loth" où rien n'est figuré directement de ce personnage biblique.

Cette femme de Loth d'Anselm Kiefer dont j'ai parlé sur ce blog (18/04/2014 et 31/01/2015, 12/02/2016) est une variante d'un de ces nombreux chemins en lignes de fuite et de ces voies ferrées dont l'artiste parle si bien dans ses cours au Collège de France (cf "L'art survivra à ses ruines", Editions du Regard 2011). Il y a chez lui la nécessité de dépétrifier la culture allemande et au-delà d'elle toute la culture à travers ses multiples références, notamment historiques, politiques, artistiques, mythologiques, religieuses. D'où aussi ce retournement derrière soi auquel invite la femme de Loth.

Le terme de "pétrification" implique la mort de multiples façons et déjà avec ce qui concerne la pierre elle-même. Les techniques de pétrification sont utilisées par de nombreux sculpteurs mais Anselm Kiefer, quant à lui, traite constamment de la pétrification, matériellement et symboliquement. Il intègre notamment dans ses oeuvres des matières végétales ou organiques qu'il capte dans la pierre  ou qu'il immobilise dans des ensembles aux matières hétérogènes. Il en expose ainsi la stratification et en fait des "objets-temps" selon son expression (cf les propos confiés à Philippe Dagen et intégrés dans le catalogue de l'exposition "Monumenta 2007" du Grand Palais à Paris.

Mais il existe aussi historiquement des techniques de pétrification directement associées aux cadavres comme celle qui sévit en Italie au 19ème siècle. L'anatomiste Gian Battista Rini (1795-1856) était un maître dans l'art de la pétrification selon un protocole complexe consistant à transformer la matière organique en matière minérale. Ses ouvres ont fait l'objet d'analyses scientifiques pour saisir le secret de l'incroyable conservation des cadavres.

Les associations sur le chemin de la femme de Loth, entre retournement, regard en arrière et pétrification, sont infinies mais souvent déroutantes; au sens propre comme à celui de Bion quand il parle de changement de vertex. C'est sans doute l'un des effets majeurs du travail des artistes que de nous obliger à regarder et à voir autrement dans l'espace-temps. Les voies de chemin de fer et les chemins vers l'infini d'Anselm Kiefer en sont des exemples fascinants. 

Le travail de Kiefer est de ceux dont l'impact se transforme dans la longue durée, au fil de l'exposition de ses nouvelles oeuvres mais aussi de leur parcours de métamorphose en nous, regardeurs. Sa question "Comment puis-je en tant que peintre, admettre la matérialité, la finitude d'un tableau, tout en décelant en lui l'infini de l'être?" est comme une réponse ouverte à l'énigme de son immense création (cf "L'art survivra à ses ruines").

Chez Gérard Fromanger, c'est une série de tableaux qui s'intitule "Pétrifiés". Les univers de ces deux artistes contemporains sont totalement différents mais certaines de leurs thématiques se croisent, notamment sur la guerre, l'histoire, le temps. Le fameux "Prince de Hombourg" incarné par Gérard Philippe et datant de 1965 fait partie de cette série de six.

Son titre "Pétrifiés" interroge le sens de la pétrification ici. La photographie de Gérard Philippe recréée par Fromanger sous diverses couleurs le montre dans un élan de marche, comme saisi en vol, et même dansant avec une allégresse démultipliée vers le regardeur. Pas de jouissance suspendue ici, mais bien plutôt un souffle, une envie de danse tout à fait en accord avec les propos du peintre s'adressant à Serge July (dans son livre sur "Fromanger"): "J'ai toujours considéré l'existence comme une danse. L'idée de la danse m'habite en permanence." Et cette série de "Pétrifiés" renvoie tout aussi bien l'écho d'une musique jubilatoire à la manière de celles de Vivaldi ou de Bach.

Clins d'oeil d'espace-temps

Le vent souffle du sud en ce moment pour moi avec les peintres: Daniel Dezeuze, artiste sétois qui vient d'exposer à la galerie Templon à Paris (cf article du blog du 27/01 "Un envol de valises" ) et aujourd'hui, Topolino au Musée Paul Valéry de Sète.

Un collègue a attiré mon attention sur l'un de ses tableaux intitulé "Rue Lacan" (ci-dessus). Clin d'oeil singulier pour moi qui avais terminé l'écriture de mon livre Rue Freud sur un trouble de vision devant ce face à face avec le nom supposé du psychanalyste...


Moments jubilatoires que ceux qui vous font revenir le présent en arrière et l'arrière au présent avec ces écarts qui permettent une recréation, quelque chose qui n'est en rien un recommencement du même mais une ronde, une  danse de liens, reliant les créateurs et les auteurs les uns aux autres à leur insu!


Ces mouvements psychiques auxquels sont conviés avec eux les regardeurs et les lecteurs font vibrer l'espace-temps comme les fameuses "ondes gravitationnelles" à l'honneur en ce moment... (Celles dont Albert Einstein avait eu l'intuition et qui ont désormais été identifiées aujourd'hui.)


Cette association que je risque n'est sans doute pas scientifique et pourtant elle vient dire une parenté de recherches dans des domaines différents, celles des artistes, des scientifiques et des praticiens de la psychanalyse.


Il se trouve qu'un autre artiste est exposé en ce moment à Sète à la galerie Docks sud, Thomas Verny. Il semble chercher à  capter des instantanés de lumière en les découpant sur l'espace de la toile (cf ci-dessus). Ils m'apparaissent comme des éclairs de temps ...